Sarah Hugentobler

Sarah Hugentobler, basée à Bern, est une artiste performeuse et vidéaste. Avec précision et humour, elle crée des décors surréalistes dans lesquels les voix, les corps et les images interagissent, se chevauchent et se reflètent les uns les autres. Travaillant à la croisée des mondes numérique et analogique, elle combine la vidéo et le son préenregistré avec la performance live. À l’aide de techniques de synchronisation labiale, elle relie les voix à son corps, traduisant ainsi le langage visuel de son travail vidéo sur scène. Elle est titulaire d’une licence en beaux-arts et d’un master en théâtre élargi de la Haute école des arts de Berne (HKB). Ses œuvres vidéo ont été récompensées par de nombreux prix, dont le prix suisse des arts, et ont été présentées dans diverses expositions et figurent dans plusieurs collections d’art.

D’où vient le projet de Bin ich das ?

Au cours de mon travail, j’ai toujours mené des entretiens, comme des conversations avec des gens, avec la conviction profonde que toute personne en soi est intéressante. Dit comme ça, cela peut sembler basique, mais j’ai remarqué que lorsque j’ai une discussion avec une personne sans poser vraiment de questions mais juste en procurant un espace d’écoute, alors une personnalité apparaît. Aussi ai-je entrepris de mener des interviews de cette façon, en étant surtout une oreille attentive sans attente particulière, sans présupposé. J’ai ainsi collecté de nombreuses paroles de gens d’origines, d’âges, de genres très différents. Au début, ça s’est fait un peu par hasard, puis j’ai tenté d’explorer des sujets, qui peuvent sembler mineurs de prime abord, en essayant de trouver des points communs entre les personnes. Ces personnes ne sont pas célèbres, ni même visibles, ce sont des anonymes, c’est ce qui m’intéresse. Être toutes ces personnes en même temps, du point de vue de la performance, c’est passionnant. Ce que je fais c’est rendre l’écoute visible. J’invite aussi le public à mener sa propre exploration de lui-même à travers ces personnages.

Pourquoi vous focaliser sur la voix en particulier ? Pensez-vous que cet élément puisse traduire une personnalité ?

La voix est une dimension très intime, ce n’est pas réellement possible de la modifier. Ma propre voix est vraiment personnelle. J’ai commencé comme artiste vidéo, cela m’a toujours intéressée de jouer devant la caméra. Mon premier projet était sans parole, puis j’ai voulu mettre de la voix, mais sans que ce soit la mienne car cela me semblait trop intime, alors que justement je voulais être une autre personne. Ici, la voix est comme un costume, je peux interpréter quelqu’un d’autre à travers sa voix. Mais je ne voulais pas changer d’apparence sur scène parce qu’il me semble que la voix en soi apporte déjà beaucoup.

Comment avez-vous choisi ces trois personnes, la femme âgée, l’enfant, l’homme, que nous entendons ?

Au début, j’avais dans l’idée de récolter les paroles de beaucoup plus de gens mais j’avais déjà ces trois personnes très différentes et très intéressantes. C’est intuitif, mais à travers chaque discussion, je voulais aussi explorer une dimension de l’espace théâtral. Par exemple, cette enfant avec sa maison de poupée que l’on ne voit pas, c’est comme si le public lui-même se trouvait dans cette maison de poupée. C’était aussi intéressant de jouer avec une voix d’enfant, une voix d’homme… il s’agit d’un voisin de mes parents, je le connais depuis l’enfance. La femme est une artiste, j’ai fait sa connaissance lors d’une résidence, elle m’a beaucoup intéressée. La façon dont il parle m’intéresse aussi. Avec l’enfant, c’était plus un dialogue ; les autres parlaient beaucoup, je n’avais pas besoin de leur poser des questions. Il fallait aussi que je crée des situations scéniques : avec l’enfant ce n’était pas possible de créer un monologue c’est pourquoi j’ai eu recours à ce personnage vidéo qui est comme mon alter ego. Les questions que posent ce personnage sont en réalité les miennes, j’ai découvert que les questions avaient un intérêt en soi. Cela représente aussi ma position d’observatrice et d’écoutante durant la conversation.

Quelles sont les connexions entre ces trois-là ?

Les connexions se font au plateau. La femme artiste parle de son art et j’essaye d’utiliser ses paroles pour ma situation dans l’espace du théâtre. Elle parle de sa « boîte d’atmosphère », et finalement ici chaque personnage a sa propre boîte d’atmosphère, pour l’enfant, c’est sa maison de poupée, l’homme, lui, parle beaucoup de sa maison et de comment il l’a reconstruite. Pour moi, en tant que performeuse, il s’agit bien sûr de l’espace du théâtre.J’essaye d’établir des connections à travers des thèmes partagés. La fille parle de deux chiensqui vivent dans la maison de poupée. C’est pourquoi j’ai interrogé les autres sur leur animal préféré : le voisin parle du gorille dont il admire les muscles et l’artiste de la panthère de son poème préféré de Rilke. La fillette peut voir et entendre les chiens mais seulement dans son imagination, les autres ne peuvent pas les voir. Pour le public, ils se manifestent néanmoins àintervalles réguliers par leurs aboiements mais ne se montrent qu’à la toute fin dans la vidéo. J’ai érigé des règles pour chacun des personnages : l’enfant peut aussi voir le personnage vidéo, elle peut entrer dans l’écran et, parfois le personnage virtuel parle avec sa voix, par exemple quand il lit le poème. La fille ne voit pas vraiment le public qui est plutôt comme sa maison de poupée. L’homme parle de sa chanson préférée, je lui ai proposé de l’interpréter (c’était ma seule question d’ordre performatif) mais il n’a pas voulu. L’artiste évoque un poème de Rilke mais elle n’a pas non plus voulu le lire, aussi ça m’a paru intéressant que l’enfant le fasse pour les deux autres. La chanson et le poème sont importants pour eux et j’ai voulu trouver une bonne interprétation. Satisfaction est une chanson très masculine, qui colle bien avec le personnage de l’homme, mais je préférais la version plus féministe de Björk et de PJ Harvey, c’est ce modèle-là qui nous a inspiré.

Combien de personnes avez-vous interviewé pour cette performance ? avez-vous une sorte de banque de voix ?

Oui, j’ai une réserve d’enregistrements. J’ai fait des versions antérieures plus courtes du spectacle. Ensuite j’ai voulu faire de nouvelles interviews, en réalité j’ai dû en faire environ cinq parce que j’ai tout de suite été très passionnée par ces trois-là. C’est beaucoup de travail de tout réécouter, de trouver les points de connexion, de bâtir toute la dramaturgie à partir des enregistrements, de travailler sur le texte. La manière dont ils parlent n’est pas écrite, c’est spontané et, dans le montage, j’essaye de conserver ces particularités de la parole orale. Je veux atteindre une bonne qualité de langage.

Aviez-vous une idée préalable de la performance avant de les interviewer ? comment se fait l’écriture du spectacle ?

L’idée de départ était de construire une pièce à partir d’une situation où on ne sait pas à l’avance ce qu’il va se passer. Bien sûr, je veux montrer différentes personnalités, mais je ne savais pas ce qu’il adviendrait, ni que les chiens apparaîtraient. C’est un concept qui paraît très ouvert, mais qui ne l’est pas tant que ça car je ne disposais finalement que de ces trois voix-là et de ce qu’elles me disaient pour bâtir la pièce, je ne pouvais pas inventer. En réalité, bien sûr que j’invente, mais je n’avais que ce matériau-là pour le faire…
Je mène les interviews, puis j’écoute et je décrypte le tout — avoir le texte écrit en entier me permet d’avoir une meilleure vue d’ensemble — ensuite je fais le montage, et ensuite seulement j’essaie des choses au plateau, de combiner les voix et ma présence dans l’espace.

Que cherchez-vous dans l’interprétation ?

La manière dont j’interprète est très importante pour moi : je veux rester Sarah, la performeuse, je ne veux pas être une autre personne. La situation, c’est plutôt : je reste Sarah, la performeuse, et j’explore ce que c’est que d’être cette autre personne. Je suis Sarah qui écoute cette personne et je montre au public ce que j’entends.
J’essaie de trouver un langage corporel personnel pour chacun des personnages mais je veux le faire dans une juste mesure. Et je dois faire très attention parce qu’il s’agit de personnes privées réelles : l’humour fait partie du spectacle et c’est drôle à plusieurs moments, mais je ne me moque pas et je ne veux pas que l’on puisse rire à leurs dépens. Je cherche le juste équilibre.
J’étais un peu stressée car ils sont venus à la première sans savoir dans les détails ce que j’avais fait de leurs témoignages. Je ressens une grande responsabilité à leur égard car ils m’ont fait confiance en me livrant des éléments très privés de leur vieainsi que leurs voix. Je ne suis pas certaine que tout le monde se rende compte à quel point la voix est quelque chose d’intime et de personnelle. Aussi je veux la manipuler avec soin. En même temps, c’est important de dire qu’ils sont devenus des personnages de fiction. À travers le montage, mon regard sur eux et la façon dont je les interprète, j’interviens fortement ; mon but n’est pas de les représenter de manière documentaire mais comme des personnes réelles.

Il y a ce moment où vous passez la serpillère qui est comme une sorte d’installation de la situation théâtrale elle-même.

Pour moi, en tant qu’artiste vidéo, c’est très nouveau de travailler dans cet espace du théâtre. La situation elle-même est très intéressante avec le public, l’espace, les règles, le cadrage… cela parle de tout cela de manière métaphorique : nettoyer le plateau c’est ce que l’on doit faire avant de jouer et c’est aussi relié à l’histoire de ce personnage d’artiste, très obsédée par la propreté. Et être déjà en scène au moment où le public entre en salle me plaît beaucoup. J’essaie de trouver pour chacun des personnages cette connexion entre ce qu’ils racontent et la situation théâtrale, comme je le disais par rapport à la maison de poupée.

S’agit-il d’une pièce musicale, pas seulement en raison du violoncelle mais aussi du fait de la musique des voix ?

Oui cette pièce est musicale, il est vraiment question de rythme et de sons. D’ailleurs, dans la manière dont je travaille, je n’apprends pas vraiment le texte mais plutôt son rythme, les sons de chaque voix, je l’aborde comme je le ferais pour une chanson et cela passe par le corps aussi. D’ailleurs, j’ai suivi le master « Expanded theater », à l’Université des Arts de Berne (HKB), où j’ai rencontré des chorégraphes et des danseurs, dont le chorégraphe Coşkun Kenar, qui a travaillé avec moi comme regard extérieur. Il m’a fait remarquer que j’utilisais la voix, les gestes, le langage corporel et que cela pourrait être aussi bien de la danse. Venant de la vidéo, je n’y avais jamais pensé et j’ai trouvé ça très intéressant de regarder tout cela du point du vue du corps. Il y a là un potentiel que je veux davantage explorer à l’avenir.

Comment travaillez-vous avec la synchronisation labiale ?

Une fois le montage établi, je fais plusieurs essais durant lesquels je me filme. Je travaille beaucoup avec la caméra, cela m’aide pour la direction de jeu. Je travaille la plupart du temps seule et la caméra m’aide beaucoup en ce sens — même si pour ce spectacle j’ai réuni une équipe et que j’ai vraiment besoin d’un regard extérieur final.
Dans les semaines qui ont précédé la première, j’ai travaillé intensivement avec le metteur en scène Lukas Bangerter. Nous avons répété en utilisant mon ordinateur et un logiciel de montage, grâce auquel la bande audio était continuellement ajustée au fur et à mesure que nous construisions et finalisions chaque scène.
La caméra voit tout, le moindre petit signe se remarque, j’ai constaté qu’il n’est pas nécessaire d’en faire beaucoup pour que ce soit intéressant. Ce n’est pas évident parce que devant un public on est toujours tenté de performer. Je dois être dans la présence mais je ne dois pas en faire de trop.

Peut-être que la théâtralité est davantage dans la vidéo ?

Ça a toujours été une question pour moi. Dans mes vidéos, je porte toujours un costume, une perruque, mais sur scène cela me paraît étrange de me transformer, je veux rester moi-même en tant que performeuse. Le personnage vidéo dans cette pièce se présente comme mon alter égo, ce sont mes phrases qu’elle dit, mais je voulais qu’elle ait une apparence différente. De cette façon, je ressemble à moi-même lorsque j’interprète une autre personne. Et en tant que figure vidéo—où je suis le plus moi-même — je suis protégé par cette apparence transformée, étrange.

Que voulez-vous dire avec ce titre Bin ich das ?

La question me concerne en tant que performeuse, suis-je ces trois personnes ? mais je l’adresse aussi au public qui peut se questionner à son tour, suis-je moi ? Peut-être avons-nous plusieurs personnalités à l’intérieur de nous-mêmes. Nous sommes des personnes séparées mais peut-être que la frontière entre toi et moi n’est pas si claire. Je peux donner mon corps à trois différents personnages en même temps, c’est dingue ! Cette question a toujours été importante pour moi et le théâtre est peut-être l’endroit parfait pour la poser… J’ai toujours été dans un monde digital, très virtuel ; aujourd’hui j’en arrive à combiner la vidéo avec mon corps réel, avec le théâtre et la vraie vie, dans un moment qui n’a lieu qu’une fois… c’est très intéressant. En vidéo, tout est possible, au théâtre on travaille vraiment avec le vivant… Mixer les différentes réalités est fascinant !

Propos recueillis par Maïa Bouteillet

Cie Sarah Hugentobler
Bern

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