Old Masters

Old Masters est un collectif d’âge moyen formé de Marius Schaffter (comédien et dramaturge), Jérôme Stünzi (scénographe et artiste visuel) et Sarah André (auteure, artiste visuel et scénographe, alias André André). Depuis 2014, iels s’approprient et réagencent les discours et les pratiques les plus variées, banales ou expertes, qu’elles soient artistiques, scientifiques, politiques ou quotidiennes. Concevant la représentation théâtrale comme une œuvre plastique totale, iels créent des univers à l’esthétique puissante, insolite et radicale. À l’aide de leurs armes favorites que sont l’absurde, la sincérité, la bienveillance, l’ironie, la beauté, la tristesse et la douceur, Old Masters invite à faire l’expérience, collectivement, de ce que pourrait être la liberté aujourd’hui, une liberté située, changeante, toujours à la recherche d’elle-même.

D’où vient ce cheval ? Qui est-il ? Est-ce la figure d’un regard sensible sur le monde ?

À Montpellier, où nous étions pour le Printemps des comédiens, nous avons vu une exposition de la sculptrice et designeuse Valentine Schlegel qui nous a beaucoup inspiré par le récit qu’elle faisait de son travail. De notre côté, nous réfléchissions à une nouvelle création et nous avions envie de parler de la joie de créer, du plaisir que nous avions à bricoler, écrire, faire de l’art ensemble. On ne sait plus vraiment comment est arrivé ce cheval dans la discussion, mais tout-à-coup, cette phrase a surgi — le cheval qui peint ! — et elle s’est imposée à nous. Ça nous a plu tout de suite, c’était un point de départ qui nous ouvrait un monde d’inspiration complètement inconnu qui nous attirait et a fait consensus entre nous trois. Avant même d’imaginer un quelconque contenu. Souvent, entre nous trois, il y a comme ça une image qui se cristallise. Cela peut se produire avec des objets, une situation, un titre, une idée, une image qui nous appelle, comme une intuition ou une inspiration. Ça se pose entre nous et chacun s’y relie à sa manière. Ensuite, on réfléchit au sens, on construit. À ce moment-là, nous avions aussi envie de réfléchir à la figure de l’artiste et la question de la création, loin du cliché de l’artiste torturé, du doute et de la souffrance. Repartir de ce qui nous amène à faire de l’art et à continuer. C’est aussi la dimension physique de ce cheval, sa force, sa puissance, son énergie qui nous ont attirés. Nous avons tout de suite pensé que ce serait un cheval fait de plusieurs corps, avec l’envie d’avoir un masque composé de plusieurs personnes. Dans Bande originale, un de nos précédents spectacles, nous sommes trois personnes sur scène avec un seul fil de pensée. Là, il s’agit de voir comment faire corps ensemble.
Dans notre création, nous nous nourrissons des difficultés, des doutes, des questionnements ; nous transformons ces moments où on n’y arrive pas trop dans nos vies personnelles par le biais de notre groupe, de notre humour et de notre manière de voir les choses. Une alchimie se produit pour en faire quelque chose de drôle et de porteur de sens et d’émotions. Symboliquement, ce cheval de Troie, ce seraient ces trois personnes en prise avec le doute mais qui, ensemble, trouvent une autre puissance collective. Ce cheval de Troie leur permet de traverser la forteresse qui existe entre eux et le public, le monde, c’est un véhicule qui leur permet d’entrer à l’intérieur des gens, pour pouvoir s’y installer avec leurs forces et leurs faiblesses.

Le cheval est un motif très présent dans l’histoire de l’art…

Dans notre travail, nous sommes ouverts à ce qui est de l’ordre de l’inspiration, de la fulgurance… Dans ce sens, nous ne nous sommes pas plongés dans l’histoire de l’art du cheval, ou en marge. On s’est rendu compte de la place importante que le cheval occupe dans l’imaginaire, occidental tout au moins. Mais les chevaux y sont souvent des faire-valoir pour les humains alors que là ce sont les humains qui portent le cheval et pas l’inverse. Nous partons souvent aussi d’un imaginaire plus banal, du sens commun. Nous étions ainsi convaincus que l’imaginaire autour du cheval est largement partagé. Le cheval raconte forcément quelque chose pour tout le monde, cela fait partie des premières choses qu’un enfant découvre et identifie.

Le cheval dit « je » mais en fait il est pluriel, il matérialise de façon très immédiate votre être collectif. Est-ce la première idée de ce corps en morceaux ?

Quand on écrit à trois, on se demande toujours si on dit « je », « on » ou « nous ». Au début du texte, c’est à l’infinitif : être le cheval qui peint, après ça passe au « je ». Ça nous plaisait de chercher un « je » collectif, qui est très présent dans notre travail. Notre amitié, ce que nous partageons, c’est très présent, tout le temps. La question de transposer ça sur scène, de trouver une voix qui ait la force des trois individus, est centrale dans ce spectacle. Ça l’était déjà, d’une autre manière, dans Bande originale où nous étions tous les trois sur scène. Il s’agissait alors d’un fil de pensée qui était commun, alors qu’ici il s’agit de porter à trois un masque en quelque sorte, de devenir un seul corps.

À l’intérieur de la question du collectif, ça parle en particulier de la création collective. À un moment, le spectacle pointe la tension entre l’artiste comme figure de l’individualité et la notion de collectif

Les dialogues proviennent vraiment de l’écriture de plateau ou de discussions entre nous. À la base, nous voulions une parole du cheval mais on ne savait pas vraiment sous quelle forme. Nous avions cette envie d’une écriture par moment plus abstraite, peut-être plus directement poétique, moins narrative, et pas sous forme de dialogues. Même si, assez vite, est venue l’idée que les parties du cheval pourraient se parler entre elles. Nous avons produit et expérimenté différentes formes d’écriture durant le processus, il est très peu resté de ces expérimentations mais ça a permis d’explorer quelque chose, comme une forme de domestication du cheval.

Parlons du texte. Dans la pièce il y a des textes de natures très différentes, dialogues, discours, récits mais aussi sur des sujets multiples, intimes, politiques, artistiques…

Ces différents niveaux sont constamment présents dans notre création, dans nos discussions… Dans la vie, en tant qu’individus, nous sommes traversés par des choses qui sont de natures complètement différentes. En très peu de temps, on passe d’une chose à l’autre : entendre des nouvelles tragiques, qui sont loin de nous, entendre des nouvelles tragiques, proche de nous, se questionner sur soi-même, sur sa place, sur son activité, être avec des gens, être dans la solitude. L’expérience de vie est une articulation complexe de couches de narration… Dans ce travail — et c’est là que ça rejoint peut-être cette image du cheval de Troie —, il s’agit d’essayer de trouver l’endroit de ce que l’on est, c’est-à-dire un endroit où plusieurs choses peuvent être dites dans un ordre peu lisible. La cohérence est formelle, c’est ça qui tient l’ensemble. Cette esthétique ce serait l’équivalent de notre enveloppe corporelle : la cohérence est formelle, mais notre pensée, notre expérience de vie sont complètement incohérentes même quand on mène une vie assez banale… Nous proposons un dispositif qui, par son articulation formelle, tente d’exprimer une expérience. Nous travaillons beaucoup le rythme, les durées, les séquences, dans une structure qui permet de glisser d’une chose à l’autre de manière fluide. La forme est un véhicule, ce n’est pas un objet en soi, d’où le cheval de Troie. Elle permet de traverser quelque chose. L’esthétique, le beau, l’harmonie sont des véhicules, ce ne sont pas des objectifs en soi. La beauté, l’harmonie, surtout collectivement, nous permettent de traverser ensemble des choses qui dépassent la compréhension, le sens, et d’avancer dans d’autres formes de compréhension qui se trouvent limitées si on les enferme dans une forme narrative ou conceptuelle… Là, il s’agissait de trouver une manière de faire coexister toutes ces choses, qui sont des couches d’importance diverses. Chacune de ces choses y trouve sa place parce que nous nous sommes dit on ne peut parler de ça sans parler de ça ; il y a des liens souterrains.Et nous sommes arrivés à cette forme de séquençage, avec les nombreux passages au noir. C’est l’espace qui amène l’articulation.

Il y a notamment un moment l’irruption de ce texte qui parle d’écologie, de pouvoir et de bombardement

Nos premiers spectacles ne sont pas explicitement politiques— peut-être Bande originale un peu plus — mais là, ce hors champs de ce qui se passe en ce moment dans le monde était toujours présent dans nos discussions. Nous nous sentions pris en étau entre « c’est indécent d’en parler » et « c’est indécent de ne pas en parler ». C’est quand même la seconde option qui s’est imposée à nous. Nous voulions trouver une manière de dire ce qui occupait nos esprits et nos échanges constamment, mais de l’endroit qui était le nôtre, celui de ce cheval et des trois êtres qui le constituent. Dire, mais sans être moralistes.

L’espace parle spontanément de forme. Il y a ces motifs géométriques, ces couleurs, ces variations de lumière, cette figure de cheval qui est très belle… Est-ce qu’on peut dire que votre approche est d’abord formelle ?

Oui, c’est une porte d’entrée : construire un espace scénique où on sera bien. Notre première pièce commune, Fresque, proposait déjà une scénographie dans laquelle évoluaient deux interprètes. Créer une forme visuelle assez forte, c’est une sorte de fil rouge qui nous guide dans nos créations. Il ne s’agit pas, de façon classique, de mettre en scène un texte dans un décor avec des costumes. Il n’y a pas de hiérarchie entre les différents éléments : parfois, le point de départ, c’est la scénographie, parfois ce sont les masques, parfois les costumes, la musique ou même les objets, tout est d’égale importance et l’ordre peut varier. Tout se fait de l’intérieur. Un mot est aussi important qu’un pli, mais si un pli empêche de dire un mot peut-être qu’on va quand même garder le pli plutôt que le mot. Il ne s’agit pas d’adapter la scénographie pour qu’on puisse dire telle chose ou faire telle chose. Idem avec la musique et la lumière. Nous travaillons ensemble, avec tous les matériaux, et le texte est un matériau au même titre que le reste.

Dans cette création-ci, il y a aussi le corps et la danse qui sont très présents. Est-ce habituel chez vous ?

Nous avons toujours eu une approche un peu chorégraphique, même dans nos spectacles avec peu de mouvements. Cette conviction qu’il peut y avoir dans une simple présence, un geste, un mouvement quelque chose d’important qui se raconte, est là depuis toujours. Ce n’est peut-être pas de la danse au sens premier mais ce n’est pas de l’écriture de théâtre classique non plus. C’est chorégraphique ou musical, c’est un mouvement qui a une durée, un rythme, ce n’est pas de l’ordre de la narration. La cohérence vient d’ailleurs. Il y a aussi un aspect tableau vivant. On peut le voir comme une succession d’images, ce sont des peintures en quelque sorte.

Comment définiriez-vous le collectif ?

Il y a une dimension assez familiale dans Old Masters, nous nous entourons de gens avec qui nous avons des liens d’amitié, avec qui nous faisons aussi d’autres projets. Old Masters, c’est nous trois — Sarah André, Marius Schaffter et Jérôme Stünzi — pour la direction artistique, mais, avec le temps, il y a plusieurs personnes qui se sont agrégées, pour la musique, la lumière, mais aussi des interprètes, et qui ont pris une place importante dans ce qu’ils et elles apportent, le regard qu’iels portent sur le travail, etc. C’est une structure plus complexe que nous trois qui, à chaque nouvelle création, se recompose plus ou moins.

Peut-être que ce qui relie LeCheval qui peint à vos autres créations, c’est la dimension de liberté ?

La notion de liberté est centrale. Dans le travail et en général, on s’empêche souvent tout un tas de choses… Là, dans le processus de recherche, on essaye avant tout de créer un environnement qui soit suffisamment libre pour que des choses adviennent que l’on puisse ensuite mettre ensemble pour faire un spectacle. On tourne toujours autour de cette envie de liberté. Ce rapport à la liberté est aussi de l’ordre d’un désir, c’est comme un mantra ou un training, nous avons envie d’avoir une liberté qui soit libératrice. S’il y a bien quelque chose que nous avons envie de dire à travers ce qu’on fait c’est : rappelez-vous que vous avez le droit de faire les choses… Faire son truc, comme on dit dans La Maison de mon esprit. C’est vraiment quelque chose que nous cultivons consciemment ensemble. La question de se sentir légitime, nous essayons de la dépasser, nous nous donnons à nous-mêmes cette légitimité. Et nous espérons communiquer ça au public. C’est ce que nous vivons collectivement : travailler ensemble, ce n’est pas avoir moins de liberté, c’est au contraire en avoir plus car nous nous aidons à supprimer nos propres freins à notre liberté — ceux qu’on se met à soi-même sont les plus puissants et les plus difficiles à déconstruire. Le collectif sert peut-être à ça, à rendre plus libre. Nous nous empêchons de nous empêcher… La question de la contrainte et de la liberté, dans notre travail, c’est aussi d’essayer de voir là où la liberté est autre chose qu’un fétiche de la société libérale. La liberté dans ce que ça a de difficile : difficile à atteindre, par rapport à soi, et dans ce que ça engage de soi et avec les autres. Aller vers la liberté, c’est aller vers l’inconnu.

Propos recueillis par Maïa Bouteillet

Old Masters
Genève

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