Annina Mosimann

Annina Mosimann, née en 1991 à Berne, est marionnettiste, performeuse et artiste plasticienne. Elle a étudié les arts plastiques à la HSLU Lucerne et le théâtre de marionnettes à la HMDK Stuttgart et travaille comme artiste indépendante et créatrice de théâtre.
Le travail d’Annina Mosimann se situe à la croisée des arts du spectacle, des arts plastiques et de la musique expérimentale, avec un regard particulier sur les marionnettes, les objets, les matériaux et le corps humain. La physicalité, les espaces intermédiaires, l’inconscient et la relation des êtres humains aux objets qui les entourent sont les thèmes centraux de ses performances souvent fantaisistes, absurdes et humoristiques.
Les pièces « Masa Mater » (2020), « Mycelium » (2021) et « Bestiarium » (2024) ont été invitées à de nombreux festivals internationaux. « Bestiarium », a été sélectionnée pour le prix suisse des arts du spectacle PREMIO 2024. Elle collabore également dans différentes formations avec des collectifs théâtraux en Suisse, en Allemagne et en France.

Quelle est la matière première de Bestiarium ?

La matière première c’est vraiment cette boîte en bois que j’ai trouvé dans le grenier de mes grands-parents, dans cette même maison où je vis toujours aujourd’hui, en colocation. Il y a quelque chose d’un peu « meta » là-dedans… Le spectacle traite du vivre-ensemble, de la cohabitation, il ne porte pas sur le fait que j’ai trouvé la boîte chez mes grands-parents mais, depuis le début du processus, et quand je le joue, j’ai cette histoire en moi.

Est-ce en trouvant cette boîte que vous avez eu l’inspiration de ce spectacle ?

Je suis fascinée par les monstres, les êtres bizarres — cela vient aussi probablement du métier de marionnettiste —, j’ai voulu faire comme un bestiaire scénique, puis je me suis questionnée sur leur monde, leur habitat, j’ai eu besoin de les ancrer dans un cadre, une base… une maison en fait. Quand je suis tombée sur cette boîte, ça m’a inspirée instantanément. Et avec cette découverte, le projet a un peu changé, car j’ai exploré toutes les possibilités de la boîte qui est elle-même devenue protagoniste. C’est finalement la matière de la boîte que j’ai travaillé le plus.

Cela permet aussi un jeu permanent entre ce qui est montré et ce qui est caché.

Le dedans le dehors, c’est inhérent à l’art de la marionnette : on joue avec l’absence des choses. Le processus de l’animation, ce n’est pas seulement jouer techniquement avec la marionnette et faire croire au public que c’est vivant mais c’est aussi l’histoire de ce qu’il se passe dans la tête du public. Déjà dans les spectacles classiques de Guignol, il y a ce jeu avec le castelet,avec cet espace mystérieux qui se trouve sous ces marionnettes, où tout peut apparaître et disparaître.

D’ailleurs on se demande combien de personnes sont dans la boîte pour l’animer, il y a un travail corporel qui tient presque de la danse.

J’aime travailler avec mon corps, c’est une matière aussi. Dans la danse, ce sont les corps qui forment les histoires et dans mes créations aussi j’aime travailler avec ça. Avec la boîte, l’idée c’était comment tout peut sortir de la boîte et seulement de la boîte. Il n’y a rien qui vient de l’extérieur. J’ai une loop station pour le son : tout ce que je fais je peux le dupliquer, je peux ainsi devenir plusieurs. Cela me permet de créer de la confusion, on sait qu’il y a une seule personne dans la boîte mais peut-être pas, au fur et à mesure du spectacle, on n’est pas toujours sûr et je peux jouer avec cette confusion.

Par rapport au corps, il y a comme un effet de fusion entre corps et objets : vos mains et vos pieds deviennent les mains et les pieds de la boîte qui devient ainsi le corps d’un être étrange.

Oui en effet. Ce qu’on voit évolue constamment ; par moment on voit tel détail, et après on voit autre chose, ça passe tout le temps de l’un à l’autre. Il y a différentes couches qui se superposent, j’adore jouer avec ça. Parfois, on est dans un grenier mais juste après c’est une boîte qui marche et d’autres fois encore, c’est une femme qui habite dans une maison, mais en fait ce sont des perruques… ce n’est pas un scénario linéaire, cela se transforme constamment. Pour moi, c’est le grand pouvoir de l’art de la marionnette ; on peut montrer plusieurs choses à la fois et ce qui est vu dépend aussi de qui regarde. Différents éléments se croisent : on regarde une pièce avec une boîte qui a des pieds et des mains, en même temps c’est la maison des autres êtres qui habitent là et, en même temps, les êtres sont les mains et les pieds de la performeuse qui, en même temps, a trouvé cette boîte dans le grenier de ses grands-parents… j’aime ce mélange de niveaux de lecture.

Quelles sont vos inspirations ? allez-vous chercher du côté surréalisme ? Un artiste tel que le cinéaste tchèque Jan Svankmajer fait-il partie de vos références ?

C’est mon modèle absolu. Les images de Svankmajer inspirent mon travail depuis toujours, en particulier son film Alice où il joue beaucoup avec les échelles, entre le grand et le petit. D’ailleurs, quand j’étais plus jeune je voulais étudier le film d’animation mais c’était beaucoup de travail sur l’ordinateur, ça ne me correspondait pas. Mais c’est vrai qu’avec le film d’animation on a encore plus de possibilités qu’au théâtre, on peut d’avantage jouer avec les dimensions… Dans tous les films de Svankmajer le son est très important, il apporte une vraie matérialité : une porte s’ouvre, cela produit un son, ça raconte déjà tellement de choses, on n’a pas besoin de plus que ça. Le son nous emmène dans un monde qui n’est pas intellectuel, c’est aussi pour cela que j’aime travailler sans mots, les films de Svankmajer aussi sont sans paroles. Le son nous invite à quelque chose d’inconscient, à imaginer encore plus. On touche à ce côté surréaliste où il n’y a pas de logique narrative.

Est-ce que cette absence de narration déroute les enfants avec lesquels vous avez pu échanger ?

Oui, pareil pour les adultes. Cela dépend de ce qu’on attend d’un spectacle. Mais, au final, les gens, adultes comme enfants, se laissent emporter par cette logique illogique. Un enfant m’a dit « j’ai adoré parce que dans ma tête il s’est passé beaucoup de choses ». Il ne s’agit pas simplement de présenter une histoire à consommer, le spectacle invite le spectateur à développer sa propre imagination. Ça marche aussi très bien avec un public d’adultes et là ça devient un peu plus dark, ils voient d’autres choses, une dimension un peu plus monstrueuse, angoissante, du côté des rêves aussi. Mon jeu dépend beaucoup du public qui compose la salle. Par exemple, le chœur de mouches plaît beaucoup aux enfants mais, avant cela, quand il y a une seule mouche ça les agace. La mouche est un animal dont on ne veut pas : pour les adultes, il y a aussi une dimension symbolique.

Les mains sont très éloquentes, elles sont expressives jusqu’au bout des doigts, est-ce que c’est un aspect sur lequel vous avez particulièrement travaillé ?

Avec Lara Epp, qui a fait le regard extérieur, nous nous sommes particulièrement questionnées sur ce qu’on voulait montrer : parfois il s’agit des mains de la performeuse et parfois il s’agit d’un personnage, et parfois aussi ce sont les deux en même temps et pour que ça apparaisse il faut que le geste soit précis. Dans la marionnette, dans le théâtre en général, tout se voit sur scène, tous les gestes doivent être questionnés, ainsi que leur intensité, de quoi on a besoin pour chaque tableau et comment ça se transforme. Quand il n’y a ni paroles, ni personnage, mon corps est d’autant plus visible.

Comment avez-vous procédé, est-ce une pièce très écrite ?

Quand c’est une pièce qui sort de mon imaginaire, de mes obsessions, comme celle-ci, où il y a une part très intime, j’ai besoin d’une phase de travail seule, avec les objets, avec la boîte et d’autres choses que j’ai trouvé — la théière, les tasses étaient là dès le départ —, j’essaye de voir ce qui peut aller ensemble, j’aime cet espace de recherche seule. Mais ensuite j’ai besoin d’être accompagnée par quelqu’un qui a un peu le même univers, comme avec Lara Epp. Nous avons filmé, nous avons écrit ensemble à partir d’improvisations.
Aujourd’hui, la partition est très précise, l’espace de la boîte est tellement réduit qu’il n’y a pas beaucoup de latitude pour improviser. Je suis quelqu’un d’assez intuitif, dans mes autres pièces ça reste plus ouvert. Là, le cadre est très contraignant, il demande beaucoup de préparation, je dois répéter beaucoup même si je l’ai déjà jouée de nombreuses fois car il y a beaucoup de paramètres techniques. Mon précédent spectacle, Mycelium, où je joue avec un musicien et où je manipule de la pâte à pain, est très différent, il n’est pas aussi millimétré, on trouve aussi des nouvelles choses ensemble sur le moment de la représentation.
Un des grands défis sur ce projet-ci durant le processus de travail, c’était vraiment de trouver du jeu dans un cadre très contraint par la technique : je gère la lumière et la loop station en même temps que je fais les personnages… Si tu n’es pas là, ça se sent tout de suite. Il y a eu aussi beaucoup de va et vient entre l’atelier et le plateau, nous avons changé beaucoup de choses suite aux répétitions comme des trappes dans la boîte qui finalement ne servent pas. L’autre défi c’était aussi que cela ne reste pas trop ouvert : Petra Fischer, à la dramaturgie, aidée à préciser ce que je voulais raconter.et Dominique Enz, qui s’occupait de la mise en scène finale, m’ont aidée à préciser ce que je voulais raconter.

Enfin, pourriez-vous caractériser votre travail ? Quel est l’axe central de votre théâtre ?

La matière, les objets et mon corps sont au premier plan. C’est par là que ça commence : qu’est-ce que la matière veut me raconter ? et quelle est ma relation aux objets ? Dans la marionnette, l’être humain n’est plus au centre de l’attention ; les objets et les matériaux qui nous accompagnent racontent en soi beaucoup de choses sur nous. La dimension absurde, monstrueuse, les rêves sont toujours présents dans mes pièces. Je suis fascinée par les choses non-humaines. Ce qui m’accompagne aussi toujours, c’est le son, c’est un protagoniste à part entière. Le son n’est pas additionnel, c’est une matière en soi. L’ouïe est un sens plus fort que la vue. Le son produit des images, des souvenirs, des émotions.

Propos recueillis par Maïa Bouteillet

Cie Annina Mosimann
Bern

Contact diffusion :
Anna Ladeira – Le Voisin prod
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